Alla sua morte nel 1993, Federico Fellini aveva vinto quattro Oscar per il miglior film straniero e quindi eguagliato la sua connazionale Vittoria de Sico – nessun altro regista italiano ha vinto più di questi due.

Ma 25 anni dopo la sua morte, la lunga ombra della sua eredità cattura molto più di onori e riconoscimenti (anche se vedrai, se continui a leggere questo testo, che ha recentemente vinto un altro premio).

Infine, non solo la visione del maestro è così unica e ipnotizzante da conferire al discorso colloquiale un aggettivo carnevalesco (Fellini), ma i suoi film mostrano anche a generazioni di registi la direzione per andare avanti.

Come sperimentare e rischiare nel cinema e come armonizzare modi di confessione nella narrazione e in stravaganti ascese pittoriche.

Martin Scorsese, ad esempio, ha recentemente riconosciuto che il lavoro di Fellini . Otto e mezzo cercando di nuovo ogni anno.

“Otto e mezzo è sempre stato un caposaldo per me in molti modi”, ha detto.

“Libertà, innovazione, crudeltà sono fondamentali e sono l’essenza del desiderio, del fascino, del movimento fisico della macchina da presa e della composizione”.

Tanti complimenti, questo è davvero difficile da battere.

E per tutti noi, quelli che sediamo nell’oscurità del cinema e fissano la tela per essere ipnotizzati o trasportati, non è esagerato dire che Fellini sta guidando un esercito di spettatori su un nuovo percorso.

Ci ha portato (e lo fa ancora) in destinazioni lontane dal mondo di lingua inglese, destinazioni che non potevamo nemmeno sognare nelle nostre fantasie più sfrenate.

Crea uno stile cinematografico personale che è in qualche modo misterioso e magicamente universale e che rende il pianeta in qualche modo più piccolo e più intimo.

Tuttavia, c’è sempre un “dopotutto”, giusto? – Non sono molto contento quando dico che il pubblico critico ha sempre avuto un rapporto complicato con Fellini.

Nella recensione del film Otto e mezzo, un sottile sogno lirico del blocco creativo del regista, il film sul bersaglio del cecchino Pauline Kiel:

“La fantasia della vita di una persona è il materiale perfetto per un film se è fantasiosa e incantevole di per sé o se illumina la sua vita non così fantastica in un modo interessante”, ha scritto.

“Ma Otto e mezzo non è né l’uno né l’altro; sembra scioccante come un sogno già pronto di un’eroina di Hollywood piena di ansie freudiane.

UPS.

Kiel non è sicuramente il primo critico serio a risentirsi dei film di Fellini.

Li vedeva come mezzi vuoti per posizionare simbolismo artistico e surrealismo stravagante che suggerivano solo una profondità che non potevano raggiungere.

Non è l’ultimo.

in collezione”Hai visto…?“David Thompson ha detto: ‘Non è come Otto può e durerà per sempre, sembra proprio così quando lo guardi.’

E non si ferma qui.

Altrove nello stesso libro, Thompson per il film Amarkord (Ricordo) dal 1974 ha detto:

“Fellini può fare scene nei sogni, ma deve proprio farlo?”

Per Dolce Vita (La Dolce Vita) ha detto:

“Non sta succedendo nulla qui, tranne che abbiamo una scenografia ben consolidata, lezioni epiche dal simbolismo e complesse metafore lamentose”.

Nella parte in cui si occupa di film Una notte in Calabria dal 1957, dove la moglie e il marito di Fellini, Giulietta Messina, hanno recitato in una delle commedie più memorabili che abbia mai visto, ha detto:

“Io, da debole, la vedo ancora come una dolce attrice”.

Be’, almeno non è sceso senza prima essersi spiegato.

Direi che Kiel e Thompson non si sbagliavano, ma le loro opinioni erano prive di significato e su piedi di vetro.

Ad eccezione di De Sike, il cui film Me Umberto D anche oggi piange, Fellini è sempre stato un regista italiano con la massima introspezione, arte e profondità (perdonatemi fan Antonioni).

Niente unisce l’amarezza e la dolcezza così facilmente.

E non sono certo l’unico critico a pensarla così.

Nel sondaggio BBC Culture, che elenca i 100 migliori film stranieri, Fellini è arrivato secondo.

Ha quattro film nella lista e solo Ingmar Bergman e Luis Buñuel ne hanno di più, cinque ciascuno.

Per quelli di voi a cui piace prendersi cura dei risultati, ecco i film di Fellini da quella lista: Otto e mezzo è al settimo posto Dolce Vita dieci, Strada (La Strada) è al numero 83, mentre loro Notte in Calabria all’87° posto Nostalgia Amarkord quasi caduto dalla lista – si è stabilito in 112a posizione.

Animatori circensi e camminatori di strada

Era nato nel 1920 nella città costiera di Rimini sulla costa adriatica (per lui era il Bocciolo di rosa geografico a cui era tornato, come nei film Amarcord e Roma).

Ha iniziato la sua carriera cinematografica come sceneggiatore nel classico neorealista romano di Robert Rosellini, Città Aperta.

Quindici anni dopo, è difficile immaginare qualcuno che, in quel modo, abbia completamente abbandonato il realismo (neo o altre forme) come Fellini.

I suoi primi film, ispirati a Rosellini, erano come Dangube (I Vitelloni) del 1953, ha rifiutato a favore di film picareschi più sentimentali come La strada del 1954 e Le notti in Calabria del 1957, che risuonano di un doloroso senso di umanità tra gli artisti del circo al piano terra e gli escursionisti di strada.

E poi, naturalmente, arriva la Dolce Vita – un viaggio vertiginoso attraverso l’alta società spiritualmente stordita di Via Veneta a Roma.

È una lezione di perfezionamento sul desiderio esistenzialista e sull’edonismo del dopoguerra, alimentata dal fascino lascivo dell’eroe stanco Marcello (Marcello Mastroianni) e scene indelebili come la statua di Cristo che si erge sopra la città o Anita Eckberg, l’arrogante bionda accigliata al Trevi Fontana.

L’inquadratura finale di una ragazza ingenua che offre un segreto a Marcello sulla spiaggia, non comprendendolo a causa del forte vento, ha un effetto devastante.

La dolce vita di Fellini lo ha catapultato tra le fila dei più grandi registi del mondo.

Quindi non c’è da meravigliarsi se questo film ha portato a una crisi spirituale e artistica (come continuare dopo il più grande successo della sua carriera?) È diventato l’ispirazione per il suo prossimo progetto, Otto e mezzo.

Usando il personaggio principale come suo alter ego sullo schermo, Fellini, ancora una volta attraverso Mastroianni, lo trasforma nel suo film più riflessivo e divertente.

Sembra un’aggiunta in bianco e nero a un diario personale, lasciato aperto ai suoi fan, è come sezionare il flusso di coscienza dell’artista nella speranza di trovare la chiave per risolvere tutti gli enigmi futuri della vita.

Inizia anche una nuova fase della sua carriera in cui la narrativa ha un secondo posto in relazione alle scene.

Ma quanto sono bravi come produttori!

Posso guardare il suo volo pagano psichedelico sulla Roma di Nerone sul tappeto volante al Satyricon del 1969 ogni anno – cosa che faccio.

Non sto dicendo che tutti i film di Fellini della fine degli anni ’70 meritino lo status di “classico”.

Non lo meritano.

Ma anche quei titoli poco importanti offrono tanto divertimento in celluloide se, ad esempio, stai solo ascoltando la musica contagiosa di Nino Rota o godendoti l’irresistibile sceneggiatura di Danilo Donati.

Tuttavia, penso che l’Accademia avesse perfettamente ragione quando nel 1993 ha assegnato a Fellini un Oscar onorario alla carriera.

Sul palco dove è andato a ricevere la sua statua, meno di un anno prima della sua morte, il 73enne è stato onesto e diretto quando ha detto grazzie e quando ha detto alla moglie Giulietta di smetterla di piangere.

E che altro si può dire?

I film hanno detto tutto.

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